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Comentario por Bizcondesa de Ribarroja el octubre 16, 2010 a las 6:23pm
EL BODY ART o ARTE CORPORAL
es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en Europa en los años 1960 y, en especial, en Estados Unidos.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, al que se lo pinta, calca, ensucia, tatúa, cubre. El cuerpo se transforma en el lienzo o en el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.

Dentro de la categoría general de Body Art, podemos definir al Body Painting como una pintura artística aplicada a la piel y es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados quienes descubrieron que la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros elementos provenientes del reino animal, vegetal y mineral, servían quizás para impresionar al enemigo, en forma de pintura de guerra, o de señal de reconocimiento de una tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza.
Probablemente el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenecía a su grupo y situarse en relación a su ambiente. Esta práctica ilustrada se convertía en un instrumento de transformación. Los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o sencillamente servían de ornamento


La pintura corporal reaparece en Occidente a fines del siglo XX. Arte transitorio, el pintor crea un diseño sobre su modelo. Se le consagran varios festivales, entre ellos el de Seeboden en Austria, el World Bodypainting Festival en Bruselas, y en Bélgica el Festival Internacional de la película fantástica, The International Body Painting Contest.
Práctica moderna de la pintura corporal: La pintura corporal hoy, conocida como Body Art, es practicada en las sociedades occidentales con otros objetivos sobre todo lúdicos, artísticos y decorativos. Su carácter espectacular convierte a esta actividad en algo sumamente valorado debido a la técnica en conjunto con la creatividad de los artistas que la desarrollan.
La temática de la pintura corporal es sumamente variada. Dentro de los temas preferidos podemos mencionar los animales: felinos en la mayoría de los casos. También serpientes y arañas se integran a figuras decorativas muchas veces abstractas. Otro de los temas preferido por los artistas es el fantástico: criaturas multicolores, proporcionadas de alas, antenas, garras recorren los festivales alrededor del mundo. Se encuentran también el camuflaje: el cuerpo se integra a su medio ambiente, árboles, papel o paredes decrépitas.
En muchos países la pintura corporal se utiliza durante los festejos del carnaval.
Performance: antecedentes
Si bien fue en los 60´s y 70´s el auge de este tipo de expresiones fuertemente corporales, presenciales, experimentales, activistas, hubo un largo recorrido anterior, un fluir, entre el ritual y el entretenimiento, entre la eficacia y el espectáculo, desde el nacimiento de la cultura. Pero entre los historiadores del arte, hay cierto acuerdo en reconocer el nacimiento de la performance art de mano de los Futuristas italianos durante los convulsionados primeros años del siglo XX. También Tristan Tzara y los artistas del Cabaret Voltaire realizaron acciones similares. A fines de los años 30, Antonin Artaud tuvo una influencia decisiva en los artistas de entreguerras, con El teatro y su doble, fundando un teatro de la vida, de la autenticidad, del gesto y de la improvisación.


Nuevamente, las artes plásticas dialogan con el teatro, la música y la danza, en un intento de redefinir el arte, de borrar las antiguas fronteras que convertían a cada una de las disciplinas artísticas en compartimentos estancos. Es un intento por generar nuevas asociaciones, que si bien no son inéditas, sí lo son las formas concretas en que se materializan y los significados o mensajes que pretenden transmitir. Lo mismo ocurre con la relación que generan con el público que es el principal “target” de estas manifestaciones.
Comentario por Bizcondesa de Ribarroja el octubre 15, 2010 a las 6:36pm
El ARTE BRUTO EN LA EUROPA DEL NORTE: El GRUPO COBRA

El "arte bruto" europeo encuentra en el Grupo Cobra, su principal via de comunicación. artistas de Copenhague, Bruselas y Amsterdam fundan en Paris el grupo Cobra en 1948: Asger Jörn, Karen Appel, Christian Dotremont...

Trata de ser una alternativa figurativa a la pintura abstracta de la postguerra. Por otra parte el Movimiento Cobra aparte de transformar el arte intentó difundir su pensamiento de cambio de la sociedad. Cobra rechazaba la cultura occidental completamente destruida por la Segunda Guerra Mundial. Apuesta por el arte primitivo, prehistórico o medieval.

- El ARTE BRUTO de DUBUFFET

Artista francés que rechazó la abstracción y apostó por el arte figurativo primitivista tratando de recuperar el valor expresivo de la pintura de los niños y los locos. En sus obras , Dubuffet experimenta con diversos materiales encolados: tierra, serrín, hojas...

Comentario por Bizcondesa de Ribarroja el octubre 14, 2010 a las 12:16pm
ARTE CINETICO
El arte cinético es la escultura del movimiento. Hacia 1922 surge una nueva forma de entender la escultura que pretende abandonar el estatismo de la escultura tradicional. Aparecen, así, los móviles, que se harían tan populares tras la Segunda Guerra Mundial. Estas obras pueden moverse por la acción del espectador, el viento o un motor eléctrico. Para sus obras utilizan todo tipo de materiales, como chatarra, que una vez pintada tiende a perder la tercera dimensión para ser visto desde un solo punto.


Se identifican con la pintura, se simplifican las formas y se tiende a la abstracción pura. Este movimiento esta muy vinculado a la Bauhaus. Una vez superado su impacto inicial, el arte cinético a entrado en los hogares de gracias a los móviles de vivos colores que se colgaron encima de las cunas de los bebes, y en los juguetes de movimiento continúo que se pusieron de moda n la década de los ochenta. En el arte cinético encontramos a escultores como Laszlo Moholy-Nagy; moduladores del espacio, Man Ray; Objeto de construcción, Alexander Rodchenko; Construcciones colgantes, Marta Boto; Rotaciones cinéticas, Anillos en movimiento, Nicolas Schoeffer, efectos de luces sobre prisma de hielo, Gregorio Vordenaga; Rotaciones cinéticas y Alexander Calder; Móvil estable.
Comentario por Bizcondesa de Ribarroja el octubre 7, 2010 a las 5:25pm
EL ORFISMO
El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino que exalta el color y la luz, emparentándolos con Orfeo, el personaje de la mitología griega que, por su sobrehumano manejo de la lira, representa la conjunción de la música y la poesía.

Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos no tomados de la realidad visual, sino totalmente creados por el artista y dotados por él de una poderosa realidad. Es arte puro.
Apollinaire situó dentro del orfismo o cubismo órfico a las obras de Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp y, sobre todo, de Robert Delaunay, que actuaba como abanderado de esta tendencia. En esta época surgió una controversia sobre el papel que hubiera tenido en la definición del orfismo la obra de Frank Kupka, jamás citado por Apollinaire. De cualquier forma, el término orfismo ha quedado muy impreciso y tiene más valor por su carga poética que por su valor crítico e histórico.
Comentario por Bizcondesa de Ribarroja el octubre 4, 2010 a las 11:09am
LAND ART
Este movimiento es casi genuinamente estadounidense. Nacido en un contexto político conservador, el Land Art utilizó la naturaleza como un escenario artístico donde debatir los movimientos sociales de los años 60, como el de los “hippies”, el feminismo, la contracultura… Sus artistas se hicieron eco de los nuevos conceptos espacio-temporales divulgados por la ciencia-ficción con motivo de los primeros viajes a la Luna. Los artistas de Land Art no esperan necesariamente que el espectador viaje miles de kilómetros a través de desiertos, montañas u océanos para contemplar su obra. Ésta tiene un carácter efímero y, en sí, no es el centro de la atención estética. El énfasis recae en el proceso del hacer, así como en las relaciones que se producen entre la obra y el sujeto que lo experimenta. Con esta actitud el Land Art pretende acabar con el tráfico del arte. El espectador puede apropiarse de la obra de arte sin necesidad de poseerla.

Los más destacados artistas internacionales que exploran en el Land Art son Robert Smithson, Michael Heizer, Christo & Jeann-Claude, Dibbets, de María, Richard Long.
Comentario por Bizcondesa de Ribarroja el octubre 3, 2010 a las 10:57am
EL RAYONISMO
El rayonismo es el un movimiento artístico que se originó en Rusia, en el Salón de la libre Esthétique de Moscú en 1909; es una síntesis del cubismo, futurismo y orfismo
El rayonismo es el último estadio del futurismo, por lo general en los oleos no se observa figura alguna; representa radiaciones que se desprenden de los cuerpos, en esa época se descubren los rayos X y la radiactividad.

Los representantes más conocidos del rayonismo son: Mijaíl Larionov, Natalia Goncharova, Jackson Pollock, Georges Mathieu, entre otros.
Comentario por Bizcondesa de Ribarroja el octubre 2, 2010 a las 11:29am
JUNK ART
Término acuñado por L. Alloway para designar al movimiento americano de los años cincuenta que surge como reacción al idealismo del expresionismo abstracto.

Introduce en sus obras materiales sin valor, desechos, basura y otros desperdicios urbanos, bajo la forma de assemblages, detritus urbanos y objetos de consumo recuperados. Representa una rebelión contra la doctrina tradicional de materiales nobles y un deseo de mostrar que las obras de arte pueden crearse aprovechando objetos humildes y despreciables. A menudo asociado al neo-dadaísmo, nace con la Combine- Paintings de Rauschemberg y, hasta 1962 constituye el medio en el que el assemblage evoluciona hacia los environments y los happenings, en el cuál se desarrolla el interés por el objeto cotidiano que lleva al arte pop. El Junk Art de los EE.UU tuvo sus analogías con la obra de Tàpies y otros artistas en España, Burri y el arte povera en Italia, y movimientos similares en la mayoría de los países europeos y en Japón, donde la chatarra y los desperdicios dejados por la guerra son transformados a veces como uso artístico. Los artistas junk más destacados son Dine, Oldenburg, Kaprow, Grooms, Samaras, Di Suvero, Stankiewics o Chamberlain.
Comentario por Bizcondesa de Ribarroja el septiembre 30, 2010 a las 5:11pm
BLOP ART

En el año 2000 nace en Europa el Blop Art, especialmente en Francia donde ésta evolución del Pop gana su fama y consumo masivo. El diseño gráfico, los videoclips y artes de discos son sus principales lienzos, mientras que youtube y myspace sus principales medios. El blop art recibe su nombre de la figura onomatopéyica BLOP, típica de los comics usados en explosiones de globos o gags de humor.
Comentario por Bizcondesa de Ribarroja el septiembre 29, 2010 a las 4:42pm
OP ART

El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro.
Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.
Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos.
Si la pintura óptica de la posguerra ha de remontarse a una sola fuente, esa fuente incuestionablemente deberá ser Víctor Vasarely, húngaro de origen, que nació en 1908, quien fue estudiante de la academia Mühely, de Alexander Bortnyik, el Bauhaus de Budapest.
Comentario por Duque de Numancia el septiembre 29, 2010 a las 9:43am
El Informalismo
Movimiento pictórico europeo que tuvo gran aceptación en España, desarrollado a partir de 1945 en paralelo al expresionismo abstracto estadounidense. El término informalista se adoptó para referirse a la abstracción lírica, opuesta a las tendencias más próximas al cubismo o al rigor geométrico del neoplasticismo o De Stijl.
Se han buscado diferentes influencias para justificar su estética, todas ellas discutidas y discutibles, desde el automatismo surrealista hasta el nihilismo dadaísta. Lo que sí es claro y aceptado por todos es que el informalismo es un término que unifica en su misma imprecisión a unos autores preocupados por explorar la materia, incorporando el valor de la textura, abordando tanto las posibilidades expresivas de los graffiti como el grattage o el Action Painting.


Aunque se ha utilizado con frecuencia como cajón de sastre donde incluir las más variadas tendencias, el pleno informalismo se introdujo en España a mediados de la década de 1950 de la mano de Juan Eduardo Cirlot y de los textos traducidos de Michel Tapié. Se pueden localizar dos focos artísticos: Madrid, con un predominio del informalismo expresionista, y Cataluña, donde la mancha, las texturas, el relieve y los nuevos materiales darán lugar al desarrollo del informalismo matérico. En el núcleo madrileño se puede incluir la obra de artistas como Manuel Mampaso, los miembros del grupo de Cuenca (Fernando Zóbel, Gustavo Torner y Gerardo Rueda), César Manrique, Salvador Victoria, Alberto Greco, Lucio Muñoz y algunos integrantes del grupo El Paso (Antonio Saura y Manuel Millares). En Cataluña destaca la figura de Antoni Tàpies, así como también algunas obras de Albert Ráfols Casamada, Joan Hernández Pijuan, Josep Guinovart y Manuel Hernández Mompó.
 

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